Sobre la superficie del mar se ve la aleta de un enorme pez que se va acercando hacia su presa de manera veloz, agresiva e implacable: se trata de un tiburón gigantesco. El resultado es predecible; nada ni nadie será capaz de disuadir a semejante bestia acuática con relación a su objetivo: destrozar y engullir. En realidad aquí se hace referencia a una escena ficticia, la cual se representó varias veces en la recordada película de Steven Spielberg (1946 - ) "Tiburón" (1975). Obviamente el público asistente a la sala cinematográfica estaba conciente en cuanto a la ficción, después de todo se trataba solamente de un film y por lo tanto ello "no era cierto". Sin embargo se miraba esta escena con un tremendo estado de angustia y hasta desesperación. El hecho es que esa situación estaba muy estimulada por el sonido acompasado de una estructura musical muy especial: el persistente accionar rítmico de los contrabajos. Por dicha causa, cada vez que se escuchaba a estos instrumentos de cuerda, el público asistente a la sala cinematográfica ya sabía que el tiburón comenzaba su ataque, se viera o no su aleta surcar la superficie: la secreción de adrenalina comenzaba a fluir nuevamente en los asistentes. ¿Qué se deduce de ello? Que una cosa es ver una acción cinematográfica con música de fondo, y otra muy distinta, sin ella.

Los primeros films realizados antes de finalizar el siglo XIX, como "La salida de la fábrica" en 1895 y "La llegada del tren" en el mismo año, causaron gran efecto; la proyección de esta última provocó una notable impresión y susto entre los espectadores, los cuales creyeron que la locomotora se saldría de la pantalla y por tal motivo hasta llegaron a levantarse espantados de sus respectivos asientos. Se entraba a un mundo completamente nuevo, algo mágico, el cual, con el tiempo, llegaría a niveles verdaderamente colosales, un mundo que manejaría cifras económicas colosales. Era obvio que ya no se trataba de figuras estáticas que correspondían a una foto, sino que existía movimiento, acción, había dinámica. Se estaba en presencia de un nuevo enfoque del arte, la cinematografía.

Pero desde ese inicio también se tuvo la idea de que el arte de los sonidos podrían dar mayor impacto a lo filmado, proporcionaría un fuerte apoyo emocional y realzaría las características de las distintas escenas; en otras palabras, sería un excelente complemento: acción visual y sonido. Pero en ese momento existía todavía un problema; las presentaciones no eran todavía sonorizadas, eran mudas, lo que también exigía que periódicamente apareciera una especia de pizarrón dando breves explicaciones de lo que significaba el accionar tanto de los actores como de las escenas. Con relación al aspecto musical la solución llegó al poco tiempo: las salas cinematográficas contrataron músicos, orquestas baratas, pero especialmente pianistas, los cuales, siguiendo visualmente la pantalla ejecutaban distintas piezas musicales. Estas debían tener toda la concordancia posible con el ritmo de las películas. Algunas veces esto se lograba, pero en otras no.

Hace unos años atrás un pianista, ya relativamente mayor, le comentaba jocosamente al suscrito, que, cuando pequeño, quizás adolescente, fue contratado por una sala cinematográfica para tal fin: "la mayoría de las veces improvisaba la música….y generalmente me salía muy bien…pero en algunas ocasiones mis improvisaciones gustaban tanto al público presente, que me pedían que las repitiera. Pero el hecho era  ̶ agregó riéndose ̶   que ya no me acordaba lo que había improvisado y por esta causa el auditorio, el cual pensaba que yo tenía mala voluntad al no ejecutar nuevamente lo que había presentado rato antes, comenzó a chiflarme en señal de desagrado, a tirarme los envoltorios de los caramelos y chocolatines, y hasta pequeños trozos de pan…"

Se tiene conocimiento que la primera presentación pública del cine sonoro tuvo lugar en París en el año 1900. Franceses como Demeny, Léon Gaumont , Eugène Lauste, Jo Engel, Hans Vogt y Joseph Massole trabajaron intensamente sobre este aspecto de la cinematografía. Pero fue en Nueva York en donde se hizo la primera presentación de una película con perfecta sincronización, pues hasta ese momento esa era la gran dificultad, coordinar la sonoridad con el desarrollo del film. Fue en 1926, cuando se estrenó Don Juan, la cual fue protagonizada nada menos que por John Barrymore (1882 - 1942), con efectos sonoros y una partitura sincronizada. Luego se estrenaron varios cortos que fueron perfeccionando los dos sistemas, el Vitaphone (Warner Bros) y en competencia el Movietone (Twenty Century Fox).

Fue "El Cantante de Jazz" la que  tomó la iniciativa en la exhibición comercial con estas características, la cual fue estrenada en octubre del año 1927. Uno de sus protagonistas fue el célebre cantante Al Johnson, teniendo este film una duración de 88 minutos. El cine mudo había pasado definitivamente a la historia, aunque ello trajo como consecuencia que, actores los cuales hasta ese momento habían brillado por su expresividad, es decir, mediante los ademanes corporales y faciales, la sonorización de las películas fue para ellos un duro golpe a causa de su mala voz, caso de Buster Keaton (1895 – 1966) y también del famoso galán John Gilbert (1899 – 1936). Una de las películas que hace referencia a esa época y en cómo nació el cine sonoro fue "Cantando bajo la lluvia" (1952) que protagonizara y dirigiera Gene Kelly (1912 – 1996), el cual, junto a Fred Astaire (1899 – 1987) fue uno de los más grandes bailarines y coreógrafos  del cine norteamericano.

De esta forma, entonces, ahora no solamente se podían escuchar los diálogos, sino también los fondos musicales. Por lo tanto, esto último dejó de ser un simple asunto de "acompañamiento" coyuntural en las salas cinematográficas por algún pianista contratado o una orquesta mediocre. Las distintas compañías cinematográficas  – MGM, RKO, Paramount, Republic, Columbia, Twenty Century Fox, Warner Bros. y otros –  se abocaron casi de inmediato a formar sus propias orquestas, contrataron compositores y directores musicales. Se comprendió la importancia del efecto musical, de la vitalidad que podía proporcionar a lo filmado. Inclusive la mayoría de estos músicos tenían una formación muy seria, eran egresados de conservatorios de verdadera jerarquía, situación que fue exigida por las empresas cinematográficas mencionadas en líneas anteriores. Pero, en otros aspectos, ¿cómo se prepara el apoyo musical para una película determinada? Esto lo aclara muy bien la especialista en cinematografía Ileana González la cual destaca que un realizador puede recurrir a música no concebida originalmente para una obra cinematográfica  — la cual sirve para el objetivo buscado —, o también solicitarla por encargo. El primer caso lo podemos ejemplificar con la famosa película de Stanley Kubrick "Odisea en el Espacio: 2001" (1968) en donde el apoyo musical se sustenta con el tan conocido vals de Strauss "El Danubio azul". Pero en la otra situación, los directores tienen que explicarles a sus músicos qué es lo que se pretende lograr con la musicalización, lo que también exige que ambos trabajen en estrecha comunión, y de esta manera explotar al máximo cada momento del guión, logrando obtener la fórmula que permita conjugar armoniosamente las imágenes con la música. Obviamente esto exigiría del compositor un verdadero esfuerzo musical – intelectual: su composición se debe de adaptar a las características de cada escena de la película en cuestión.

Por todo lo anteriormente señalado, con esta forma de musicalización se abrió un nuevo campo profesional para estos artistas, una especialidad que sería exigida por el arte surgido del siglo XX, es decir, la cinematografía, determinando este hecho trascendental lo que constituyó un "antes" y un "después" con relación al cine sonoro - musical.

Jorge de Hegedüs